Les grands peintres du siècle dernier : leur art et leur technique

Le cubisme a marqué l’œuvre de Picasso.
Il s’agit ici de rompre avec les règles picturales de la perspective, de multiplier, en les enchevêtrant, les angles de vue d’un motif, et avec lui de briser notre façon monolithique de considérer une œuvre d’art.
2.
Claude Monet © HarshLight (Flickr) Monet: Water Lilies © HarshLight (Flickr) Monet est le peintre majeur du mouvement impressionniste.

C’est à travers le motif privilégié du paysage qu’il a forgé ce style de peinture qui, à l’idéal académique du beau, préfère le rendu chatoyant et ondoyant des impressions sensibles.
3.
Henri Matisse © WikiMedia (Wikimedia) Matisse / La danse © WikiMedia (Wikimedia) Maître du fauvisme, Matisse œuvre à une simplification des figures et a une exaltation de la couleur.
Travaillant par de larges aplats chromatiques, Matisse vise à rendre compte d’une possible libération de la couleur du carcan de la représentation figurative.
4.
Vassily Kandinsky © Cea.
(Flickr) Vassily Kandinsky © Cea.
(Flickr) Abandonnant le premier de façon aussi radicale la peinture figurative pour l’art abstrait, Kandinsky y recherche les fondements d’une mystique.
L’art par sa transcendance des formes et des couleurs doit nous guider aux vertus de l’âme.

5.
Piet Mondrian © Kent Wang (Flickr) Piet Mondrian – Composition No.
III © Kent Wang (Flickr) L’art du peintre néerlandais se compose de figures rectangulaires géométriquement organisées sur l’espace de la toile, et de l’usage de couleurs uniquement primaires.
Il s’agit d’évacuer de la toile toute référence au naturel visible, d’arriver par l’abstraction à la saisie des lois qui régissent le monde et sa vision.
6.
Edvard Munch © pixie_bebe (Flickr) The Scream (Edvard Munch, 1893) © pixie_bebe (Flickr) Munch considère que la représentation du modèle pictural doit répondre aux injonctions de la subjectivité.
Chez Munch, la réalité physique du monde est nécessairement déformée par les états d’âme de l’homme, et de l’artiste en particulier.
7.
René Magritte © Cea.
(Flickr) [ M ] René Magritte © Cea.
(Flickr) Au-delà des préoccupations surréalistes pour le subconscient et le monde du rêve, Magritte interroge surtout notre rapport ambigu à l’image qui nous fait la considérer comme véritable double du réel absentant ainsi son statut d’abstraction.
8.
Joan Miró © Allie_Caulfield (Flickr) 2008-05-10 New York 073 Museum of Modern Art, Joan Miró, Hirondelle A © Allie_Caulfield (Flickr) L’œuvre de Miró a certainement à voir avec l’onirisme, mais c’est véritablement à l’esprit enfantin, à la naïveté de celui-ci, qu’il s’en remet afin de dépasser les nomenclatures du classicisme aussi bien que du surréalisme auquel la critique le rattache parfois.
9.
Jackson Pollock © Detlef Schobert (Flickr) Jackson Pollock, Number 1, 1949 © Detlef Schobert (Flickr) La technique du « Dripping » mise en place par Pollock consiste à faire se superposer différentes couleurs d’un même spectre.
La composition est organisée de façon à ce que la structure de chaque morceau de l’œuvre soit similaire à celle de l’ensemble.
10.
Andy Warhol © oddsock (Flickr) Andy Warhol – Marilyn 1967 © oddsock (Flickr) Figure du Pop Art, Warhol s’est notamment rendu célèbre par la création de sérigraphies.
Ses tableaux reprennent le principe industriel de la production en série, s’opposant ainsi à la sacro-sainte idée de l’œuvre d’art nécessairement unique.